「頌」论坛启动：“天赋型选手”该不该有题材焦虑？

▲ 左起：「頌」艺术中心创始人/本次展览策展人苏芒, 雅昌网主编刘倩, 艺术家蔡锦, 艺术家王光乐, 中国美术馆展览部副主任/研究员柳淳风博士, 本次展览学术顾问

蔡锦首次追溯这么多年的绘画故事，她回忆说：“我完全是跟着内心的感受进行创作，无论是浴缸、高跟鞋这些作品，还是亚克力、蜡这样的材料，都是自然而然注意到它们、自然而然产生了灵感。2018年，我在前波画廊做个展时，王公懿见到我的时候跟我说，你应该画花。4月份，我跟着王公懿去北京植物园正逢牡丹花开，我蹲下来、一瞬间看哭了。王公懿又一次跟我说，你一定要画花。一直到2020年，很偶然的机会，我的学生将他家里种的花寄给我。当桌上都摆满各种各样的花的时候，我画了第一张，就是《芍药花》，随着时间的发展就这么慢慢地画。”

▲ 1998年，蔡锦在纽约布鲁克林

柳淳风认为：“绘画是最原始的一种人类情感表达的载体，点、线、面，这是绘画本身最核心的一个内容。观察、研究艺术生态最便捷的方式就是研究艺术家个体，尽管同时代的艺术家们在艺术表达的方法上存区别，但是他们拥有类似的感受。而女性感受力与客观世界、地缘文化等并行发展，艺术作为一种再现的载体和媒介，展现艺术家主体的一种主观世界对于客观世界的表现。蔡锦没有题材的焦虑、一切都是信手拈来。”

▲《芍药花》, 布面油画, 200 x 190 cm, 2020, 图片版权归艺术家和颂艺术中心所有

▲《美人蕉1》, 布面油画, 80 x80cm, 1991, 图片版权归艺术家和颂艺术中心所有

在这个社交网络环境下，为什么选择“架上艺术”这种纯粹的方式呈现此次展览，苏芒说：“虽然媒体对艺术家讲述的体系偏重故事性、叙事性的讲述，但是和蔡锦密切合作之后，发现身为女性艺术家，她拥有一股不可思议的单纯，同时也是一位丰富、创造力极强的艺术家，这让我决定用“单纯”的架上绘画方式去呈现她的作品。把绘画还给了绘画，把解读还给了观众。在我看来，观众如果想要感受蔡锦作品的艺术魅力，必须走进美术馆，走到作品面前，才能感受到那种集美丽、伤感和痛苦凝结在一体的观看体验。艺术家提供了一种观看自我的方式，蔡锦浑然忘我的情绪状态让人感受到何谓独立。”

作为“最懂蔡锦”的挚友，艺术家王光乐评价说：“编织、缝纫、刷碗、扫地……在这些重复性的日常家务中，女性拥有与众不同的工作方式，蔡锦仿佛也再用这种“忙忙叨叨”地方式、“用手”绘画，她对象一直没有变，处在一个绵延的状态，不断地生长，她生活在她的感受中，她的绘画主题就是情绪，惆怅的情绪，她的画就是她情感的一个容器，她的创作不是在身外，就在她身上。当代艺术“标配”的展览空间通常是“白盒子”的空间场，给做架上艺术的艺术家提出了一个非常大的挑战，要用平面作品跟装置艺术去抗衡，一张画它从一个局部变成一个平面，然后来到空间，如何跟空间产生连接，我觉得这也是给架上艺术家提出的一个很严肃的话题。”

作为媒体人，刘倩说，「颂」艺术中心只抽取出蔡锦老师架上绘画的部分，空间对于作品本身的力量是非常具有挑战性的。当观众步入展厅，首先在前厅看到非常具象的 “花神”系列作品，无论是玫瑰还是芍药都在盛开、绽放，随着展厅往前走，能看到花瓣开始脱落，叶子慢慢枯萎的迹象；再往里走，看到“美人蕉”系列的时候，那种视觉观感带给观众的感受，王光乐老师说就像是“剥了皮的肉”，让观众产生痛感的共鸣。步入展厅最大的空间，展出巨幅“风景”系列作品的空间，当观众站在展厅中央，看到的是比上一个系列更加抽象的画面，感受到一种混沌的空间感。整个展览给人的印象就是，从具象到生命的体悟，再到精神性的混沌的空间，给人一种循序渐进的体悟。蔡锦一直在画画，她是一位很有才的艺术家，又能够在画布上将这种才气表达出来。